スペインはここ数十年で豊かでダイナミックな現代アートシーンを発展させ、多くの象徴的な美術館で世界中のアーティストが展示を行っています。夏が秋に変わり、屋外で太陽の下でリラックスすることから屋内の文化活動への探求に変わる中、全国のアートセンターはエキサイティングで多様なプログラムを考案しています。私たちのガイドに従って、スペインでの長い週末休暇中に見ることができる最高の現代美術展のいくつかをご覧ください。
ジョアナ・バスコンセロス「I am Your Mirror」ビルバオ・グッゲンハイム美術館（2018年11月11日まで）
ポルトガルの芸術家ジョアナ・ヴァスコンセロスは、おそらく今日の現代美術の世界で最も有名で賞賛されている女性の一人です。象徴的なグッゲンハイム美術館での展示により、彼女がいかに影響力があるかを示しています。美術館の記念碑的なアトリウムでは、彼女の最新の彫刻「エゲリア」が高い天井まで官能的に広がり、芸術業界における芸術家自身の上昇と女性芸術家による美術館の占有の比喩として立っています。私はあなたの鏡です過去 20 年間に制作された 30 点の彼女の作品をフィーチャーしたこの作品は、訪問者を彼女の慎重に作成された象徴性のカラフルな世界に直接導きます。社会を映す鏡として、私たち一人ひとりに現在の社会問題、特にバスコンセロスにとって大切なテーマである現代世界における女性の役割について考えるよう強います。
「鏡で作られたマスクは展覧会の中心です。見る人に、何が見えているのか、何かが隠されていないのかどうかを考えさせます。マスクのコンセプトは、私の作品が触れている女性らしさの概念にもリンクできます。そして、女性の本当のアイデンティティ、セクシュアリティ、自由がしばしば抑圧されたり隠されたりしているという事実についても」バスコンセロスは、彼女の最も有名で物議を醸した作品の一つである「花嫁」でも、複数のアイデンティティの概念について語っています。マスクに象徴されるように、遠くから見ると美しく精巧なシャンデリアに見えますが、近くで見るとタンポンでできていることが印象的です。
これほど幅広い材料を使用して彼女の巨大な建造物を構築する際のあらゆる技術に感心せずにはいられませんが、バスコンセロスにとって重要なのは、訪問者が彼女が遊んで生み出そうとしているアイデアを感じ取ることです。 「スケール、テクニック、素材。これらは創造的なプロセス中に常に存在し、重要ですが、概念的なプロセスに役立ちます」と彼女は言います。そして彼女は、訪問者が自分の作品の見え方だけでなく、社会の中で個人、特に女性に割り当てられているあらゆる役割についても考えながら展覧会を後にすることに成功しています。
ドロテア・タニング「Behind the Door, another Invisible Door」マドリッドのソフィア王妃芸術センターにて（2019年1月7日まで）
これは、アメリカのシュルレアリスム芸術家に捧げられた最初の大規模な回顧展であり、絵画から彫刻に至るまで、数十年と媒体にまたがる彼女の活気に満ちた芸術世界への真の賛辞です。彼女の作品150点以上が来年初めまでソフィア王妃芸術センターに展示される予定だ。中には初めて一般の人々に公開されるものもある。ドロテア・タニングは、1940 年代に始まったシュルレアリスムの第 2 波の中心人物です。彼女は、1936 年にニューヨーク MoMa での大規模な展覧会に出席したときにこの作品に出会いました。それは彼女に強い印象を残し、彼女はシュルレアリスムに「無限の可能性の広がり」を発見したと語らせました。
それ以来、彼女の作品は明確なシュルレアリスムの方向性を持ち、彼女のすべての作品はこの豊かな芸術運動の証となっています。 「シュルレアリスムは、数人の男性芸術家の名前に還元されることがよくありますが、この展覧会は、この芸術運動がそれをはるかに超えたものであること、そしてドロテア・タニングが実際にシュルレアリスムを代表する人物でもあることを証明するものです」とキュレーターのアリス・マホンは言う。展覧会の冒頭で訪問者を迎えるタニングの自画像「誕生日」は、おそらく最も記憶に残るものの一つであり、彼女がシュルレアリスムの世界に誕生した瞬間を示す、このアーティストを理解する上で適切なものである。
ドロテア・タンニング。エトランテ、1969 年。デスティナ財団、ニューヨーク © VEGAP、マドリード、2018
タニングはダダイストでシュルレアリスムの先駆者であるマックス・エルンストと結婚していましたが、展覧会が成功裏に開催されたことで、彼女自身が独自のスタイルと非常に多作な作品制作で印象的なアーティストであることに変わりはありませんでした。最も印象的な絵画の中には、空間の概念や私的領域と公共的領域の境界を探求したものもあります。日焼けは家庭の空間を破壊し、超現実主義的な風景に変え、家族、家父長制、母性のアイデンティティに疑問を投げかける暴力をそこに注入します。訪問者は、彼女の象徴的なインスタレーション、シャンブル 202、オテル デュ パヴォ (1970 ～ 1973 年) も見ることができます。不定形の彫刻が、彼女が住む超現実的な世界の一部に誘うものです。
展覧会のタイトルに戻ると、ドアのモチーフは彼女のすべての作品に非常に存在しており、公共と私の間のコンセプトの境界線に関するアーティストの反射を強化し、観客を彼女の神秘的で魅力的な世界に誘います。そうみたいです。幻想的な空間を最大限に活用した爽やかな展覧会は、シュルレアリスムや現代美術における女性の役割が見落とされがちであることを来場者に思い出させてくれます。
「リベルシーナ、ポップ、そして新しい芸術的実践 1966-1971」バルセロナのカタルーニャ国立美術館にて（2018年11月16日から2019年4月22日まで）
この驚くべき小規模な展覧会は、第二次世界大戦後のカタルーニャ美術と、60年代から70年代に起こった世界的な芸術運動とのつながりを考察する大規模なシリーズの最初のものです。カタルーニャでは、20 世紀後半は、改修、文化革命、革新の理想によって特徴づけられました。それは社会を再考し、資本主義の文脈で生じつつある新たな文化モデルを批判し始める可能性のある新しい芸術の時代と見なされていました。
ノーマン・ナロツキー、「私は男です」、1968-1969
この展覧会は、世界中で現れていたポップアートやニュー・フィギュレーションの芸術運動と緊密に対話しながら、地元のアーティストがどのようにこれらの問題に取り組んだのかを鑑賞者に見せます。ここでの違いは、これらのアーティストがフランコのスペインで活動していたことです。この展覧会では、バルセロナに住み、社会正義の問題を探求したアメリカ人のノーマン・ナロツキーなど、最も影響力のある芸術家の芸術の軌跡をたどります。そしてフランセスク・アルティガウとロベルト・リモスは、当時の政治と消費社会を批判するという明確な目的を持って比喩を使用しました。アントニ・ポルタはサイケデリックな体験に密接に関連したアートワークを作成しましたが、アントニ・ジェーナはイタリアのアルテ・ポーヴェラ（「貧しい芸術」）運動の原則を採用して、より急進的な道を歩みました。
これらの芸術家たちは皆、政治的戦闘主義と快楽主義的な個人主義の間、具象絵画と新しい非物質的な芸術実践の創造の間を行き来しました。平和主義、性革命、資本主義、個人の創造性の際限のない探求は、この展覧会で彼らが強調した根本的な課題の一部です。大きな違いが 1 つあります。それらの作品はすべて、カタルーニャ人のアイデンティティとフランコ政権に対する抵抗という特定の文脈に根付いています。
ライター：レア・スルグ
